这是“ABRSM”英皇定音鼓考级最高级第8级作品中的《Burlesque》曲目。

                                        细说扒鼓谱的技巧与方法

文/张爨轠

“扒谱”、“扒带”等词语是一种惯用性俗称，对于学习音乐的人群都不会陌生，就是把音乐从声音转化成乐谱的记录过程。对于鼓手来讲，扒鼓谱的能力是非常重要的，它可以说是检测鼓手耳音条件的一项硬性指标，同时也是鼓手训练过程中会经常面对的重要环节。在很多情况下，鼓手都需要自己动手去扒鼓谱用于实际演奏当中，有时更会是一种必须完成的规定性任务，因此掌握扒鼓谱的方法是鼓手很重要的一项实用性技能。     一、扒鼓谱前的准备 尽管现代科技已比较发达，可以采用一些扒谱的专门软件达到扒谱的目的，但纯粹从音乐技能训练角度来看，扒谱对耳朵与听写记谱能力的要求与训练价值都是很高的，还是需要按照传统扒谱的方法去操作为最有意义。因此扒谱前的准备还是必须采用铅笔、五线谱本、橡皮擦、播放音乐的音响设备等基本物件。只是对于播放音乐的音响设备硬件有一些要求，必须要能清晰的听出音乐各声部的高频（旋律、音调）、中频（和声、伴奏织体）、低频（低音）以及声部之间的平衡（音场、声部比例）、层次（清晰度）、丰满度（混响、声音质感）、立体效果（相位、空间感）等基本声音状况，并具有在播放过程中可以任意自由的回放、暂停、快进、反复等操作功能，才能保障记谱过程中的准确性与便利的操作控制。另外，如果记谱的环境不够安静，就可以选择使用佩戴耳机的方式去操作，以避免外界声音的干扰。对于有条件的鼓手还可以选择使用能够将不同声部音轨单独静音的那种专业效果播放器设备，这样更有利于记谱操作。 二、扒鼓谱的操作步骤 通常情况下，可以按照下面的程序去操作比较有效。 1.先扒框架，以句段为单元 鼓手如果一开始扒谱就一个一个小节的去记录那是最笨的方法，那样特别耗时费劲，半天记不出个全貌，像是走入了一个慢长的时间深渊，尤其是对讲究效率的情况下几乎难以搞定。先扒框架，以句段为单元是这个步骤环节的首要捷径。鼓手可以在音乐播放状态下（不停）一次性的记录出每个句段的分界位置，如加花位置、高潮位置，并迅速标记出全曲小节与段落结构的划分如前奏、A段、B段、C段、D段、E段、尾奏或主歌、副歌等基本框架，尤其是在重复某个固定节奏型的时候要快速的并以简单的记谱方式抓住变化位置的具体小节数，这样一来就在最短的时间内（当然根据鼓手各自不同的耳音条件与曲子的难易程度有所不同）一遍或两遍就可以给出一张鼓谱的框架图。这个步骤中最麻烦的问题是手写速度往往跟不上音乐播放进行的速度，有时既便鼓手已经听清楚了鼓谱，但由于手写速度没办法跟进，所以也只能写个大概的框架来。此时也可以这样去操作，让音乐停下来写完后再继续，但又不能过多的反复停下来，因为这样太影响记谱的效率。同时，为了避免手写速度跟不上音乐播放的速度，可以采取事先划好小节数留出空白位置去等待填充，也可以把平常常规的五线谱鼓谱书写方式简化成最简单的一线鼓谱的临时性记录方式（当然这也要视鼓手个人的习惯而定）。

2.接着扒重要加花位置或难点片断 这个步骤操作起来往往花费的时间最多，因为每首曲子最难的地方记录起来也最麻烦，有时会出现一些听起来模糊不清的演奏处理技巧，记录时要考虑节奏、手法、敲击组件的分配，甚至会在某一个困难片断或加花小节耗上几十遍也扒不下来原版演奏的东西，大大降低了扒谱的效率。采用的办法可以把所有类似出现的这些困难小节理出来，看一共有多少处需要单独去记录，如果确定这样的小节太多，那么也要分个主次去衡量，把音乐整体中最为关键、最为突出的几处先记下来，然后再去解决剩下的问题。对于这个环节的扒谱往往难住了很多鼓手，尤其是对于实践经验还不够丰富的鼓手来讲，有时候扒不下来原版主要是因为自己所掌握的演奏技法还不够完善，接触的伴奏处理手法还不够丰富，所以只能通过长时间的反复听辨、琢磨才会有所改善，这种情况最有效的办法是看有没有原版演奏的视频可以参考，看原版鼓手的视频起码可以明确手法、敲击位置，可以直观的帮助鼓手进一步准确的去记谱。 3.完善细节，确定谱稿 这个环节往往单凭耳朵的听辨还是不能很好的去完成定稿，最好是采用一边演奏一边修改补充的办法最为有效。当然对于比较容易达到完整记谱的鼓手来讲，记录鼓谱的准确性如果很高，演奏起来基本就可以以之为准绳，勿需太多的精力再去过多的调整。但对于并不具备这样能力的鼓手来讲，一边演奏一边比较与原版之间的差异是很好的完善细节的科学方法。这个过程反复的次数越多，扒谱的准确率往往越高。尤其是一些如个别开镲、节奏或手法的改变、演奏位置的不同与发音的细微差异以及速度快慢的精确判断（当然可以使用节拍器）等都可以去仔细听辨。最后通过谱面的全部规范化书写方式如加入速度标记、表情标记以及渐慢、渐快、惭弱、渐强、反复、双纵线等常规记号就可以基本定稿。 三、扒鼓谱的其他有用经验 前面所讲的扒鼓谱的方法也只是针对常规情况下的操作步骤，实践证明这种方法还是比较有科学依据，实用性很强的。但是每个鼓手思考问题的方式方法与实际能力都会有所不同，还有一些有用的经验可供大家借鉴参考。 1.从节奏与旋律、和声走向之间的关系去扒鼓谱 这个办法对于音乐理论基础差的鼓手比较有困难，这种以不单纯听记鼓谱的方法最需要鼓手对音乐主旋律与基本和声配奏的分析把握，也就是说，具备这种能力的鼓手往往在扒鼓谱时注意力不在鼓声部而在旋律、和声等音乐主要声部，通过音乐旋律与和声的走向大致判定爵士鼓节奏跟进的配奏依据，并能够从作曲的角度用创作规律的眼光去扒谱。对于创作经验丰富的鼓手来讲，往往一听音乐便能大致捕捉到音乐进行的方向感、线条感、层次感，知道哪里是一句，哪里是呼吸，哪里是高潮，哪里是最需要突出的片断或某个重要特点的伴奏音型，并能迅速从音乐旋律进行、和声走向的规律中去背记音乐的主要特点。这种方式可以使鼓手事半功倍，效率提升很多。至于像具体的某一拍演奏的是什么节奏等细节地方如果不能马上记清楚都无关紧要，可以在反复时或其他步骤中再去仔细听辨。 2.从节奏与低音之间的关系去扒鼓谱 对于不能确定鼓声部（尤其是低音大鼓）节奏准确性的时候，可以通过听辨低音声部去找它们之间的关系。低音声部以电贝司或弦贝司为主奏乐器，其在演奏过程中往往与大鼓的节奏相吻合，在其和声进行（或旋律进行）中有特别明显的规律感，抓住大鼓与低音声部乐器之间的对应关系就比较容易确定爵士鼓的基本节奏型态。同时，低音声部由于具有音响上向下沉的听感倾向，音乐律动的节拍感会最为显著，明白这一点就知道在鼓谱记录过程中辨别拍点（或节奏）的准确性是可以去找到规律（或窍门）的。 3.从音乐整体配器的角度去扒鼓谱 鼓手如果具备扎实的音乐理论功底，扒谱其实就不算很困难的事情，对于掌握到音乐整体配器规律或具有配器经验的鼓手来讲，其实扒谱的过程就是分析音乐作品的过程而不单纯是被动的记录过程，作曲家往往具有较好的耳音条件，一方面是因为长期听辨能力的培养训练所造就，最重要的就是他们懂得音乐分析的规律性特点，知道音乐中每个声部之间的相互组织关系，能够从音乐创作的角度去完成记谱的过程。所以有时候鼓手即便是能够完整的把鼓声部扒下来，但仍然演奏不出整个音乐的感觉，就是因为扒谱的过程只是在单一鼓声部的听辨中进行，对其他声部还没有足够的能力去进一步分析所造成的。 四、结语 扒鼓谱除了要讲究方法、效率以外，最重要的关键问题是鼓手要具备一定的综合音乐理论与实际演奏水平以及良好的记忆力。虽然音乐技能在很多情况下都是可以通过科学的训练去获得的，但耳音条件有时候的确也是需要一定天赋的。同时，在错综复杂的音乐世界里，一定也有很多种不同的方法都可以去达到听懂它并记录它的目的的。况且，扒鼓谱相对于扒其他乐器谱来讲其实是最容易的，尽管也需要通过长期的训练或实践才能够领悟出更多更好的实用经验。

                                                                     本文原载《乐器》2011年第10期 与张爨轠著中国戏剧出版社出版发行《爵士鼓教育》一书 

                                   套鼓组件与音乐需要的关系

                                                     文/张爨轠

套鼓（包括传统声学爵士鼓与电子鼓）组件原则上以音乐作品所需要的针对性要求为配置依据。一般情况下，基本的套鼓组件是以五鼓（即一面大鼓、一面军鼓、三面桶鼓）、两面吊镲（即一面节奏吊镲、一面重音吊镲）及一付踩镲为标准配置的。市面上出售的套鼓一般也都是以此为标准进行生产设计的，对于一般的通俗、流行音乐作品演奏与教学开展是基本够用的。然而，随着对现代音乐舞台审美需求的不断提升，追求气派豪华的套鼓组件配置不仅仅成为一种时尚，的确也是现代音乐舞台演奏多元化、专业化、市场化发展所必须的，随之而来无论是套鼓组件的生产研发需要得到更加科学合理的创新性设计以外，鼓手的演奏驾驭技术技巧也需要很大的拓展，需要鼓手依据不同的组件配置完成相应的演奏调整，并迅速适应、灵活掌握甚至打破或超越常规组件的技巧束缚，体现出套鼓组件与音乐需要的密切关系。 一、基本套鼓组件与音乐需要的关系 基本套鼓组件具有现代通俗、流行音乐不可或缺的几大件配置，从套鼓的发展历史中可以看出，最初的相对简单配置早已不能满足今天的音乐需要，几乎不能再减掉其中的任何一件组件。首先说大鼓组件，它在套鼓与音乐中充当低音声部，常与电倍司或弦倍司（倍大提琴）节奏基本保持一致，是音乐中低音声部的核心部分，没有它，音乐的强拍律动（大鼓一般充当一、三拍节奏位置，以4/4拍为例）就得不到强化，音乐就失去了重心与根基的支撑。然后看军鼓的重要性主要体现出流行、现代音乐反强拍的基本作用（军鼓一般充当二、四拍节奏位置，以4/4拍为例），没有它，一切现代音乐（只要使用套鼓的音乐）的典型特点就得不到体现。其次讲踩镲充当音乐中基本不变的稳定性节奏律动，并将音量洪大的大鼓与军鼓组合、融合成具有三声部立体特征（即具备低频、中频、高频的声音特征）音响效果的套鼓节奏框架，是套鼓表现基本节奏的三大组件中必不可少的组件。而三个桶鼓由高至低构成基本的和谐三和弦关系，对于音乐加花的气氛烘托与音响色彩的制造功不可没，如果只用一个或两个桶鼓演奏的话其音响层次与音色色彩的对比就过于单一。最后看节奏吊镲充当替代踩镲后进一步夸张的音响与力度变化，符合现代音乐创作结构的基本层次对比规律。而重音吊镲就像一个句号，起到分句、提行、段落结构划分，呼吸等标志性作用，更能体现或加强某些重音的突出表现作用。因此，基本套鼓组件中确立的这几件核心配置基本能够满足音乐的需要，符合一般性现代音乐的伴奏与配器的规律性需求。也是套鼓发展历程中比较科学、合理的组件配置标志性模式。如果说要减少基本套鼓组件配置的话那就最多在桶鼓上做文章，比如个别音乐作品情绪平稳勿需较大的气氛烘托，对桶鼓的运用要求就可以适当减少。另外从演奏技术技巧上看，目前国内外套鼓教材、教学体系也都主要以五鼓配置为主体的，是鼓手必须要掌握的常规组件演奏范围。 二、特定的音乐风格对套鼓组件配置的针对性要求 套鼓组件可以根据音乐风格的针对性需要配置成多样化的组件内容。如在演奏一些摇滚、重金属音乐风格的音乐作品时，双大鼓或双脚槌是非常必要的配置，这样才能制造出这类音乐风格所需要的基本声效，对鼓手双踩控制技术的要求就必须要达标。又如在演奏拉丁音乐风格的音乐作品时，对桶鼓与吊镲的尺寸规格与音色需求就很苛刻，如果要达到较为理想的针对性配置，就必须选择多个不同尺寸大小的桶鼓才能获得音程关系较远的声音效果，并选择声音特色鲜明的小尺寸音效吊镲配搭才能具有拉丁音乐特有的特色。同时还必须配置牛铃、响棒、沙铃、梆子、天巴里鼓、钟音条、康加鼓、邦高鼓、手拍吊镲等常用组件配搭演奏才能达到音乐所需要的特定效果。又如在演奏爵士音乐作品时，对节奏吊镲的尺寸大小、镲片厚薄与发音反应速度的快慢、音色变化、延音长短等都有一些针对性的要求，就需要选择不同声音品质的吊镲品牌与型号。对军鼓的音色也有要求，得选择音频高亢、沙带声较重的薄型军鼓为更好。又如在演奏由管弦乐与电声乐组成的轻音乐作品时，对套鼓的整体音量、音色的融合性等方面也有很大的针对性要求。为避免套鼓音量的不平衡与音色的融合性差等问题，宜选择音量适中、不宜过大的中小型号规格套鼓配置，并对吊镲的声音穿透性、延音的饱满、音高频率以及声音的融合性等方面都要与常规管弦乐队中吊镲用软头槌演奏的声效相近才能达到统一协调的效果。当然，除不同音乐风格对套鼓组件配置的针对性需要以外，鼓手在不同舞台演出场合（环境）也要针对观众的审美选择一些有助于舞台视觉表现的组件配置，甚至包括鼓组的品牌、颜色、外观造型、制造工艺等方面都会有针对性要求，这样才能使鼓手的表演更具有选择性与可视性，尤其是在一些如体现鼓手独奏表演的特定场合，豪华气派的鼓组配置本身也是吸引观众的一大亮点。 三、个性化套鼓组件与音乐需要的关系 一般来讲，套鼓组件配置越复杂，其演奏技巧相应也就越难，驾驭起来就有更高的要求。尤其是桶鼓与吊镲的配置越复杂，对鼓手左右手的控制能力要求是很高的，几乎要求鼓手的独立控制能力达到基本一致才能较为自如的演奏换鼓、换镲的技巧。同时，由于鼓组配置的增多，音色的多样化就直接体现了出来，鼓手也就可以有针对性的选择适合的组件进行搭配演奏。尤其是对于电子鼓套鼓组件的增多，其音色变化的可控空间就更大，可以把不同的组件按照音乐所需调试成理想的需求。传统套鼓组件仅限于一件乐器一种音色，而电子鼓则可千变万化，什么组合创意都可以轻易实现。比如把某个桶鼓改变成铃鼓或牛铃或开镲，把某个吊镲改变成某种特色打击乐器等等。这样一来，给鼓手演奏的想象与创造空间就更大，如很多鼓手将电鼓配置升级后变成六鼓或七鼓，吊镲再增加两面或更多，就更能满足自己的实际需要。甚至把两套电鼓或更多的打击垫以及真电混合后组合成一套鼓来演奏，就可以配置成庞大的鼓组群等等。当然演奏驾驭起来就发生了极大的变化，对于鼓手来讲技术上就更具有挑战性，也更能完美体现个性化配置的自由效果。对于独奏表演需求的场合更具有价值，尤其是针对具有高超技艺的鼓手来讲，一流的技艺再加上一流的硬件设备与个性化的配置，就能获得较为理想的舞台视听效果。如在一些国外大师的独奏表演的视频中，可以看到各种新奇的甚至有些另类的套鼓配置，形成独具个性化魅力的视听享受。 结语 套鼓组件配置目前在全世界范围已基本形成一种较为常见的相对固定的模式，它不仅仅是针对套鼓本身的音乐特性来发展改进的，更多的是根据现代音乐发展的客观需求来决定的。比如某种具有创新意义的新兴音乐风格需要套鼓的音色相应的做一些改进，就会研发出相应的套鼓产品出来。尤其是电子鼓组件更能充分的体现其与现代音乐发展的密切关系，如看一下Roland TD-12或TD-20等套鼓的音色库与鼓组的出厂设置，就会发现无论哪一种音乐风格都有相对应的鼓组配置，它早已超越了传统声学套鼓相对单一、大同小异的音色变化范围，电子鼓更能体现现代音乐的丰富性、多元化音乐特性。因此，充分了解不同音乐风格对套鼓组件的配置要求对鼓手来讲是很有帮助的，无论对于传统声学爵士鼓还是电子鼓的使用配置都需要鼓手去深入分析，而认识这些问题也是很有价值的。

本文载《演艺科技》杂志增刊《乐器科艺》2013年第5期以及张爨轠著中国戏剧出版社出版发行《爵士鼓教育》一书  

                                        爵士鼓鼓谱编配指南

文/张爨轠

鼓谱编配是一项系统、复杂的音乐创作过程，涉及到作曲、配器、作品分析以及对爵士鼓演奏技术技法的全面了解、掌握等专业领域的交叉性综合内容。无论是对于鼓手还是作曲家而言，要编配出经典的鼓谱并非易事，需要编配者具备一定的音乐创作能力以及较为丰富的实践经验，并通过反复的推敲修改才有可能逐渐确定出最佳的编配方案。尽管如此，鼓谱编配也是具有一定的规律可循、具有一定程式化套路可依的。 一般情况下需要编配鼓谱的情况多以乐队原创音乐作品创作、MIDI音乐制作以及即兴伴奏等最为常见。尤其是即兴伴奏情况下鼓手根本没有足够的时间去提前分析音乐作品再去编配鼓谱，只能根据临场经验迅速判断做出演奏处理，完全取决于鼓手个人的综合实践能力与经验积累去驾驭，相对来讲更具有挑战性。本文将主要针对音乐作品创作、配器过程中的鼓谱编配规律作一些分析与总结。 一、鼓谱编配的核心步骤是分析、把握音乐全局 对于原创性乐队中的鼓手而言，几乎乐队的每一首原创音乐作品都必须亲自去参与整个创作过程，在分析并吸取乐队成员的不同意见或建议后，最终从音乐全局的角度去编配适合的鼓谱。在此过程中，鼓手对于音乐作品的综合分析能力是最为关键的。音乐分析的主要内容包括对旋律特征、调式与调性色彩、和声走向、伴奏织体、曲式结构、复调对位技术、配器手法等多方面理论基础的了解与掌握。并对于乐队中不同乐器声部的乐器性能、演奏技法、角色定位、声音特色、音乐表现力等方面都必须有所熟知才有可能站在音乐全局的角度与高度去看待鼓谱编配的方向性思路。如果鼓手不懂得这些基本的音乐理论基础就很难去进行具体的编配。乐队原创性音乐作品的演奏是一个整体性创作的团队表演活动，需要每一位成员倾力创作、默契配合才能达到完整统一的协调表现。因此，落实到音乐作品分析的每一个具体环节就是鼓谱编配的必需要求。 1.确立音乐作品风格、把握框架性的鼓谱编配思路 由于爵士鼓适合演奏的音乐风格种类众多，几乎渗透到现代音乐的每一个不同种类，而每一个种类的现代音乐风格都有属于各自相对独立的特色，不管是在旋律上、和声上、配器上，尤其是在节奏上都有其较为明显的固有特征。抓住这一点，就等于认清了大半个音乐的本质所在。比如针对一般的现代流行歌曲，就要配奏出与之相吻合的流行节奏，在与低音电贝司（或弦贝司）不冲突的情况下加入鼓手自己的节奏元素。而这些爵士鼓的节奏模式也可谓是千变万化，但又是万变不离其宗的基本框架性流行音乐节奏。这些节奏素材对于具备一定演奏技术的鼓手而言肯定不会陌生，在众多曲目练习、教科书上都非常容易去找到。如以广大鼓手所熟知的第三届全国鼓手大赛总决赛规定曲目《Chicken》为例，这首作品就是属于具有Funk风格特征的流行音乐作品，其基本节奏框架采用了Funk音乐风格所特有的节奏模式：4/4咚吃咚  打咚  吃打咚  打吃│听起来具有一种轻快、流畅、活泼动感的节奏特点，那么像这样风格的音乐作品就不能像演奏重金属音乐作品那样激烈，不能像演奏爵士风格作品那样摇摆，不能像演奏拉丁音乐风格那样热烈，在节奏框架编配的处理上就必须符合Funk音乐风格的整体感觉，所以鼓手在编配鼓谱的过程中需要借鉴丰富的曲目范例去参考，在头脑中对每一种不同音乐风格的作品都应该有一个大致的认识才能找到相似的编配思路。 2.确立音乐作品结构划分，把握鼓谱编配的整体句段界定 鼓手如果连对音乐作品的基本结构划分都没有弄明白，那他就根本不可能准确去界定鼓谱编配的句段位置。音乐作品的结构往往像文学作品一样具有明显的规律性特征，尤其是现代流行音乐作品的结构相对古典音乐作品的曲式结构要简单易懂得多，像上面提到的作品《Chicken》，其段落结构就极为明显，除前奏段落以外，整个作品都运用了最为典型的加花节 奏：4/4×××××　××·　O×·│作为段落结构的划分界定。而每一句都是由规整的四小节构成，在句未第四小节上进行规律性的加花填充的。找到了这首曲子的这个主要特征也就找到了其结构的框架，在编配鼓谱时也就找到了规律性的主要要点。所以从另一个角度来看，鼓配编配的过程或者说是鼓手演奏的过程其实主要就是体现音乐结构、完美展现句段线条、呼吸气口的具体过程。同时，为了体现出不同段落结构层次的情绪对比，鼓手要依据音乐的综合分析找出不同的处理对比位置与具体的节奏安排。又如在《Chicken》中为了体现出不同段落的层次对比来，运用踩镲与节奏吊镲、军鼓鼓心与鼓边框的互换来界定了其力度与情绪的不同要求，用加花节奏的不同密度来体现了句段之间的相互关系，更是运用与小号等主奏乐器相同的连续切分节奏来突出了旋律的节奏特点，这些也都是最常用的鼓谱编配惯用参考手法。 3.突出配器中的互动环节，找出音乐处理的突出性片断或细节 在基本解决了以上两点的基础上，鼓谱的编配大致已进入了实质性的阶段，但还需要不断的去完善，仔细推敲，并需要把配器中的具有突出特点的片断或细节理出来。比如当需要在某一个句未加入情感较为激烈的节奏型态，就要善于分析节奏的稀密对比与情感表现的正比对应关系；如果是需要平静过渡的加花处理，那么就得考虑使用方整、整齐划一类型的节奏型态；如果要体现情绪衰减、力度下降的音乐表现，就要安排由密到稀或统一稀疏的节奏型态；如果要与乐队声部的某个特殊强调的节奏型相一致去处理，就要服从整体统一的节奏型态；如果要突出某个声部独奏Solo的精彩表现，就要把鼓声部节奏夸张的处理方式变成陪衬的安静状态的演奏模式；如果要与某一声部形成互动性的对答体现，就要根据每个声部的合理角色去增删节奏繁简型态；这样结合起来考虑配器中的整体处理方式与细节就会更加科学，就会更加符合音乐作品统一的配器思路。如《Chicken》中连续切分节奏的加花处理模式不仅仅是整个作品句段结构划分的基本界定体现，也是整首作品配器中的一大显著特色，整个乐队统一整齐的连续切分节奏包括了所有旋律声部、和声声部、低音声部、节奏声部等相同的处理方式。 二、对爵士鼓演奏技术持巧的全面掌握是鼓谱编配的必备基础 一些鼓手往往把爵士鼓演奏技术技巧独立于音乐之外来练习，没有把它当成乐队（或音乐）中共同存在的一份子，这样的认识肯定也是不对的。而一些作曲家在鼓谱编配过程中可以做到较为全面的综合考虑，但又很难做到对爵士鼓演奏技术技法了如指掌的境地。也就是说，鼓手自己编配的鼓谱应该是最接近鼓声部乐器技法规律特性的。所以很多情况下也往往需要作曲家与鼓手共同合作去完成鼓谱的编配过程，爵士鼓的节奏语言有很多时候是在鼓手演奏过程中获得灵感的，而作曲家凭借丰富的音乐素养与广泛的知识积累与创作经验往往也可以创作出经典的鼓谱来，但更多的情况还是需要鼓手自身对鼓与音乐的结合理解去编配才具有更大的把握性与自然性。如一些国内外知名乐队的鼓手有些本身就不仅仅具备高超的演奏技艺，还具备音乐创作的综合技能，他们所创作出来的鼓谱往往可以演奏成较为复杂、精彩的华彩乐章，而从这个角度来看，专门的作曲家往往也很难做到。比如《Chicken》中鼓手的一些细碎节奏处理出现的个别若隐若现的鬼槌技法就更多的体现出鼓手的角度认知，作曲家往往只会给出一个大致的框架性配奏方案出来，因为只有鼓手才有可能深入了解此种技法在演奏手法、力度轻重控制等运用中的微妙体现，不是鼓手就难以捕捉到这样的细微节奏变化处理。又如世界著名鼓手神保彰运用电鼓与传统鼓相结合的方式创作出了很多鼓与旋律、和音、复调以及各种音效相结合的一种鼓谱编配新模式，整个创作与演奏过程在不添加任何伴奏音效的情况下由他自己一个人用四肢敲击完成，具有丰富的舞台视听表演效果，甚至可以达到相当于几个人演奏的乐队综合效果，像这样的精彩创作非一般作曲家可以完成。 从鼓手的角度来看鼓谱编配的处理方式有时的确会受限于鼓手自身的音乐功底，尤其在面对较为复杂的大型音乐作品时往往会不知所措，不仅仅因为每个乐器声部在音乐演奏中的角色定位切然不同所造成，更多的原因还是缺乏对音乐全局的把握与认知，甚至可以这样讲，由于鼓手在乐队中充当指挥的角色，那么鼓手如果并不具备指挥的综合音乐素养那他就很难驾驭这门乐器，所以换一个角度来看，鼓谱编配体现出鼓手综合能力的要求是极高的。大多数鼓手也只能按照现成的鼓谱进行演奏，要参与全方位的音乐创作的确不那么容易，这也几乎是个普遍性的行业现状问题，所以到目前为止，国内专门讲授鼓谱配奏技法的有关专业书籍或研究性文章屈指可数，没有相当的实际能力也是不可能写得出来的。也因此一些鼓手经常争论关于是音乐素养重要还是个人演奏技能更重要的话题，结论显然不言而喻，音乐素养应该高于一切，尤其对一位鼓手而言。否则，纵有多么扎实的演奏基本功也会在音乐配奏过程中力不从心的。 三、结语 鼓谱编配不仅仅需要系统的音乐理论基础体系做支撑，还必须具备对于演奏技法的深入掌控，同时还得具有鼓手个人对音乐作品的个性化理解与诠释，并在乐队互相磨合的过程中彼此深入沟通、交流、学习、借鉴才能深入领悟到其中的奥秘。不过，最为有效的实用学习方法就是积累大量的演奏曲目处理手法规律，在众多的音乐作品中去分析、领悟就会有所收获。     鉴于篇幅所限，本文省去了一些实际编配中大量的谱例列举，只是从理论的角度简单的做了一些分析，还更有待于进一步去全面深入的总结与研究。

本文载中国戏剧出版社出版发行张爨轠著《爵士鼓教育》一书以及《演艺科技》杂志2013年第8期（论文标题改为：浅议爵士鼓鼓谱编配）

                     谈爵士鼓教学选曲中的古典音乐作品运用

文/张爨轠

在浩瀚的古典音乐世界里，前人给我们留下了极为丰富、宝贵的音乐遗产。作为人类音乐史上的经典之作，我们是必须要学习、继承的。面对爵士鼓这一现代乐器，无论是从曲目的选择、乐器的性能、功能等定位都无不体现了显著的现代音乐因素与特征。因而在爵士鼓教学过程中，如何去结合运用艺术性极强的古典音乐宝库资源来提高、丰富学生的音乐修养成了一个重要的课题，有待于从事爵士鼓演奏、教学的广大演奏家、师生在实践中去探索、发现，并最终获得简便易行、可操作性强的手段、方法，以弥补爵士鼓教学曲目中的单一与不足。 一、通俗音乐作为现代音乐的主流音乐是爵士鼓演奏者的“主粮 音乐” 现今时代，已经不是谈论古典音乐与通俗音乐哪个艺术性强，哪 个应该是“主粮音乐”的时代了。随着通俗音乐的逐渐发展完善，经过几十年的沉淀积累，无论是其作品的创作上、演奏的手法、技巧上，以及音乐作品文化思想的内涵、艺术性等各方面都形成了一系列比较成熟的体系。因而也已经出现了很多堪称经典的通俗音乐代表作品。可以说，通俗音乐已经发展到了空前成熟的一个阶段了。所以，国内外纷纷建立、开设的通俗音乐院（系）着手对通俗音乐专业人才的培养就足以证明其发展壮大之形势、趋势与势在必行。与之相伴的通俗音乐理论体系与研究课题也越来越丰富、深入。任何新生文化事物在其产生发展的初始阶段都会引发争议甚至遭到传统保守派的反对、攻击，但当其发展成自身规模庞大并且拥有越来越多的追随者、支持者、研究者、从业者的阶段就是成熟的标志了。在国内各大专业音乐院校以及文艺院团，二十多年前还没有人认为通俗音乐可以成为一个专业（或职业），抱着排斥、观望态度的专业人士很多。当然，这跟国内的大文化背景有关系，随着国家改革开放以来，人们才逐渐接受与喜欢这一新的音乐形式，以至于到了现在的空前发展阶段。 在现今的音乐潮流形式下，通俗音乐就是大众的主流音乐，是大众的“主粮音乐”。而作为学习爵士鼓或从事爵士鼓演奏、教学的演奏家、师生来讲，通俗音乐当然理应是其演奏、学习的“主粮音乐”。因此爵士鼓的教学选曲基本都以通俗、流行、摇滚、爵士以及轻音乐为主的现代音乐曲目为主体。这似乎是天经地义、理所当然的事情。但是鉴于通俗音乐的发展时间短，经典作品少，其相关的训练教材、曲目的选择就受到了很大程度的限制与束缚。当然，现代音乐种类繁多，在爵士鼓演奏的体系里有很多的新型音乐风格作品，几乎每天都会有新的音乐风格在世界范围内诞生、形成、发展。这也是现代音乐个性的张扬体现，也是现代社会特有的音乐快餐文化体现。那些“新”、“奇”的音乐作品备受现代听众推崇、追捧，再加上现代音乐传媒的迅速发达与无孔不入，商业社会的经济操作手段，使得各类新音乐层出不穷，充斥着我们每个人的听觉神精。我们几乎一时不能判断其好坏，需要时间的检验才能发现其庐山真面目。也因此会有很多作品在短时间内迅速走红，而又在一夜之间迅速消失殆尽。我们永远不知道明天的通俗音乐会发展成什么样。就是在这种大背景下，从事通俗音乐教学的同仁随时都得跟进时代的步伐，要与时代接轨。从这个层面上讲，通俗音乐的变化发展速度是古典音乐所不能企及的。也因此给从业者提出了巨大的挑战，不得不学习更新知识体系，摸清规律，才能在此道路上顺利前行。 所以，通俗音乐随着时间的流逝，也会逐渐变成一种经典的音乐形式。当然，在未来的世界里，“发展”这种自然规律会把我们今天的通俗音乐规律结构变得面目全非的。人类也总是在某一个时代相对有属于与之相适应的独立完善的知识、科学、文化体系，事物永远是发展变化的。因此，今天的通俗音乐或许就是未来某种更现代的音乐基点，我们必须抓住个人所处时代音乐的规律特征。从这个意义上讲，爵士鼓教学选曲就有很大的空间了，只要关注现今社会流行、通俗音乐的动向，广泛收集曲目，研究并及时应用于教学之中，就会很快形成庞大的教学选曲曲库系统，可以说是取之不尽用之不完的。因此，通俗音乐就是爵士鼓教学选曲的主体音乐，是爵士鼓演奏者的“主粮音乐”。其细分形式基本包括：国内外流行歌曲、摇滚音乐、爵士音乐、拉丁音乐、现代轻音乐等形式。当然每种音乐形成又有许多小的分支。如摇滚音乐包括：流行摇滚、说唱摇滚、拉丁摇滚、重金属摇滚、放克摇滚等等。二、古典音乐是爵士鼓教学选曲必不可少的内容，是提高学生综合音乐素养，向更高层次发展的必然途径。 爵士鼓作为现代乐器的代表之一，在国内虽然早在二三十年代就由西方传入，但由于中间年代是国内通俗音乐断层的年代，真正在国内普及也就是近二十几年的时间。跟传统的钢琴、小提琴等专业比较起来，无论是其技术技巧系统的完善方面、功能开发的定型方面、音乐运用的表现方面，以及爵士鼓制造、演奏、教学等学术方面都差得太远。因此，在这种背景下，国内缺少有关爵士鼓教材方面的理论支柱，处于相对落后的状态之中，只要看一下关于钢琴方面的乐谱、有关文献、演奏家的流派，以及国内外教学成就就知道，爵士鼓这一专业还处于起步阶段，它虽然伴随着通俗音乐的成长一路走来，从稚嫩到现今的潮流状态，但缺乏系统的理论梳理，很多演奏者都处于摸索、学习、实践过程之中。虽然，通俗音乐从总体上已趋于成熟体系阶段，但爵士鼓的发展仍然很不完善。比如国内市场上能够买到的有关爵士鼓的著作、出版物，包括从国外引进来的教材加起来也就近百种左右，而且大多数教材都是演奏者个人的一点演奏经验或教学体会，带有很大的局限性。举个例子来说吧，目前国内流行、通俗音乐高校爵士鼓专业没有一套统一、科学完善的经典教材，各地音乐院校也都各自为政，处于相对狭隘的封闭状态，更少有关爵士鼓专业方面的学术交流、学术研究，如生产制造方面的、表演方面的、教学方面的高层次活动。社会上大多数摇滚乐队也都处于自生自灭的地下状态。这就是目前国内爵士鼓专业发展的基本真实的状态。在这种状态下，发展爵士鼓专业的核心引路人——爵士鼓教师在人才的培养上也限于无米之炊，缺少成体系的教材、曲目作支撑。因此，对于能够带给学生音乐修养极大提高的古典音乐选曲也显得尤为重要。根据很多长期从事古典音乐演奏的演奏家转行演奏通俗音乐的实际情况来看，具备扎实的古典音乐基础是通俗音乐人必须的素质。而一味的全部用通俗音乐培养爵士鼓专业人才显然是有所欠缺的。这就要求爵士鼓教师在教学选曲中充分、大量的运用艺术性强的古典音乐作品作为教学的重要资源。充分利用古典音乐博大精深的音乐内涵，发展、开发学生的音乐智力，提高他们的综合音乐素质，扩大其专业知识结构体系，把古典音乐当成通俗音乐专业人才的必修课。事实上，音乐本质上是没有什么固守的规矩界线的，只要是好的音乐作品，都应该是学习的对象。也只有今天这个时代才将音乐家分成分工精细的专业划分，像音乐史上著名的演奏家往往都是音乐修养扎实的作曲家，现今社会培养的音乐人才往往精而不多能，其实也违背音乐艺术的规律。真正成为一位伟大的音乐家是需要丰富的知识结构、深厚的音乐修养的。就像传统中医与西医的根本区别，中医讲究人的整体平衡协调，而西医侧重“头痛医头，脚痛医脚”的方式，各有所长又各有其短，采取综合的方式也许是最可行、最能体现成效的。所以，古典音乐是爵士鼓教学选曲必不可少的重要内容，是提高学生综合音乐素质，向更高层次发展的必然途经。 三、爵士鼓教学选曲中的古典音乐作品运用 很多教师在具体的教学选曲操作之中也非常困惑，如何把古典音乐运用于爵士鼓的教学选曲实践中，如果将纯粹古典配器的音乐作品直接搬到教学中显然是不行的。学生没有直观感受，不能感受到古典音乐如何变成能为自己所用的直接帮助。那么，有哪些办法可以很好的解决这些问题呢？ 1. 专门针对古典新奏的轻音乐作品进行教学选曲 这类作品往往是古典新奏的典范，往往由世界上知名的轻音乐团录制演奏，其演奏艺术水平较高，艺术性很强，通过现代作曲家的精心配器，表现出与时代充分结合的艺术特征，更能体现现代人审美的音乐经典。选择这样的作品教学，集艺术性、趣味性、创造性、时代性于一体，是最好的可操作途经之一。轻音乐作品尤其多以管弦乐队加上现代电声乐队的形式出现，配器时充分考虑到每件乐器的现代性能、表现能力。虽然，电声乐器与传统管弦乐器在配器风格、融合上有许多冲突或创新，但以世界著名的轻音乐团如保罗·莫里哀乐团、雅尼的轻音乐团演奏的作品来看，其音乐表现、技巧、音乐思想等方面都不亚于传统的交响音乐形式，因此，具有很强的艺术性。并能使学生充分结合运用古典音乐的规律精髓。所以选用轻音乐曲目是爵士鼓教学选曲中最好的途径之一。 2. 古典音乐改编的摇滚、爵士音乐作品也是很好的曲目选择途径。 莫扎特、贝多芬、巴赫、肖邦、舒曼、柴科夫斯基、勃拉姆斯……等那些脍炙人口的传世之作都有改编成现代摇滚、爵士乐作品的，教学时可要求学生结合古典音乐原版与改编版进行比较研究，学习作曲改编者、演奏家的二度创作理念，分析改编理论规律，从中可以训练学生掌握古典音乐的精髓，领悟古典音乐的真正魅力，从而借鉴古典音乐的创作、表现技法，融入到现代流行、通俗音乐的创作、演奏、音乐分析中去，从而达到提高学生音乐视野、开阔眼界，提高综合音乐修养的目的。 3. 纯古典音乐的辅助教学选用 虽然学生在学习纯古典音乐过程中不能把爵士鼓的演奏技术运用直接结合起来，但它可以通过潜移默化的作用深深扎根于学生心中，对于提高学生的音乐审美能力、丰富其音乐想象力，评判音乐艺术性等方面具有极大的帮助。可以让学生以通俗音乐为导向，逐渐渗透古典音乐进入爵士鼓的教学选曲之中，使他们有意识的注意并加强相关音乐修养的全面提高，从而达到其目的。4. 移植、改编大量的古典音乐作品也是很好解决爵士鼓教学选曲的重要途径之一 通过作曲家以及演奏家自己动手对古典音乐进行改编，使其成为古为今用的、现代时尚的教学曲目，也是最好的途径之一。当然，这涉及到爵士鼓教师自身的音乐基础、创造能力方面的很多问题。 四、古典音乐修养与现代通俗音乐之间的纽带连接作用 现代鼓手在实际乐队实践中主要以电声乐队为主的通俗音乐形式出现，相对于轻管弦乐队中的鼓手演奏来讲要简单一些，如果鼓手不具备深厚的古典音乐功底，是很难胜任其演奏的。因此，鼓手的培养切忌单一模式化，这样会造成音乐营养的不均衡，造成其音乐营养不良的反应。事实上，在很多有名的国内外大乐队鼓手中，他们几乎无一例外的都曾有过古典音乐演奏的经历或基础。从这个角度来讲，通俗音乐教学的外延性也是很强的。尤其是作为一位鼓手来讲，只要是音乐表现的需要，不管涉及到什么音乐风格、乐队形式都要适应其演奏要求。因此，古典音乐与现代流行、通俗音乐从本质上讲是一致的、相通的，是需要共存的，需要相互转化、渗透的。因此，必须加强爵士鼓教学选曲中的古典音乐作品训练，才能使学生适应、胜任音乐实践中各种不同类型音乐形式的实际需要。 五、结语 综上所述，剖析了爵士鼓教学选曲中通俗音乐、古典音乐作品运用的基本思路，目的就是扩大爵士鼓演奏师生的教学视野，引领正确的教学意识，加强爵士鼓专业的拓展空间，培养合格的爵士鼓专业演奏人才。

本文原载湖南文艺出版社出版发行张爨轠编著《爵士鼓演奏高级教程》以及  中国戏剧出版社出版发行张爨轠著《爵士鼓教育》一书

                                        浅议爵士鼓的音乐表现力

文/张爨轠

爵士鼓以其独特的音乐表现在音乐领域中有着不可替代的重要作用。作为一组综合性的打击乐器，其基本的组件大鼓、小鼓、踩镲、桶鼓以及吊镲等构成了爵士鼓的核心组成部分。而每个乐器组件的音乐表现都具有举足轻重的地位，统一构成了爵士鼓套鼓的音乐表现力。 一、    节奏骨架似建筑梁柱 节奏骨架是爵士鼓音乐表现的核心与根本。通过鼓手四肢的协调配合、分家，将不同乐器组件组合演奏成各种各样丰富多彩的节奏形式。节奏形式是以纵向骨架的立体多声部为主要方式，与横向各单声部节奏统一构成的爵士鼓节奏骨架。它在音乐或乐队中起着骨架支撑的作用，好似建筑梁柱的功能。通常，在音乐或乐队演奏进行过程中，爵士鼓以维系基本节奏框架为主要角色，其充当的作用是加强音乐的节奏律动与动感，强调音乐各要素（如旋律、和声、复调、织体等）之间的统一支撑—即骨架支撑。骨架支撑的根本就是立体的多声部乐器组件（包括套鼓组件与其它声部乐器组合）的交织特性。如爵士鼓万变不离其宗的核心节奏骨架模式（以4/4拍为例）：4/4 咚次 打次 咚次 打次‖浅析如下：在这个最基本的节奏骨架里，大鼓充当整套爵士鼓的低音声部，往往与音乐或乐队中的低音声部电贝司（或弦贝司）一起充实、完善、加强低音区的节奏与音响丰满饱和度，使音乐有明确的根基，衬托出旋律声部或中、高音区的立体声响，与其它的中、高音区声部乐器互为补充、相互支撑，构成坚固、稳健的低音声部。而军鼓的功能往往是在第二、四拍上循环重复，维系相对统一固定的反强拍律动模式。此时它与音乐或乐队中的和声进行、旋律线条，以及由键盘、吉它等和声、旋律的主奏乐器所奏出的伴奏织体交相辉映，共同加强或突出伴奏音乐织体的柱式音型以及旋律线条等主要表现功能。而踩镲充当基本的均分节奏以切割音乐的细分拍点，穿插于相对变化较多的大鼓与小鼓的节奏之中，起到相对均衡固定，变而不乱的整体统一作用。因此踩镲的音乐表现相对纤细、细腻、规整而均匀。又鉴于踩镲的声响音频一般都很高亢，具有穿透力强的特性，所以经常用于提示其它声部（或乐手）的节奏稳定与起承转合等分句与句段气口。尤其是踩镲的开镲具有相当丰富的音乐表情，它几乎是每一句呼吸换气乐句的提示与象征，乐手或听众可以在踩镲的开镲提示下顺利自然的进入新的乐句进行中去。以上大鼓、小鼓、踩镲所构成的爵士鼓节奏骨架也是爵士鼓在音乐或乐队中节奏骨架支撑的核心框架。而吊镲、桶鼓以及其它附加的套鼓组件配置如牛铃、铃鼓、音帘、木鱼、梆子等音乐表现也是在节奏骨架的基础之上进一步去体现的。桶鼓善于烘托气氛，吊镲善于制造高潮的顶点，附加的其它打击乐器配置也可以起到画龙点睛、丰富色彩等作用。因此，爵士鼓套鼓整体的音乐表现都是以节奏骨架、以多声部的节奏组合、以立体的纵向节奏骨架在音乐或乐队中作支撑为主要特征的，与节奏骨架以外的旋律、和声、复调、织体等基本音乐元素（或乐队中的其它声部乐器）共同交织构成，完成音乐的表现与表达的。二、    情感表现似建筑神韵 音乐的本质不是那些印成乐谱的各种符号与标记，而是那些可以 表现情感的流动的声音。所以音乐只能在有声的流动状况下才会显现其生命，才会表现出各种纷繁复杂的情感。而爵士鼓的情感表现具有鲜明的特性，它充满激情、撼动人心、夸张生动，演奏者通过不同节奏类型的选择、组合，本身就可以表达强烈的情感表现力。如节奏变化越来越密集，往往可以表现紧张、激烈、激动、张扬等情绪或个性；节奏变化越来越稀疏可以表现过渡、逐渐平静、逐渐消失等情绪或感受；节奏搭配均匀对称可以表现行进、步伐、稳健、坚定、庄重、肯定有力等情绪或感受；节奏的渐慢可以表现撤离、结束、衰减、消失或情绪的进一步酝酿准备等感受；节奏的渐快可以表现急促、向上、奋进、朝气、高潮的迅速逼近与爆发等情绪或感受；节奏渐强与渐弱更能推动或削弱音乐的情绪控制等等。再加上爵士鼓与音乐或乐队的相互配合，互相衬托，更能把爵士鼓的情绪表达释放出来。当然，音乐情感的表达与表现是需要多方面的综合因素决定的。除了音乐情感表现本身需要依赖各种演奏技能技巧的创作、处理规律或方法以外，（如作曲家深知运用什么样的创作手法与技巧去表现什么样的音乐情感。）鼓手演奏的二度创作也是爵士鼓情感表现的重要途径。鼓手往往通过夸张的动作肢体配合音乐相应的情绪、情感表现，再依据演奏者个人对音乐的不同理解，把音乐的情感更进一步的充分展现出来，这就会使不同的演奏者创造出不同的个性风格与个人特征，充分体现出演奏者对音乐的二度创作情感表现，好似建筑神韵一样具有鲜明强烈的个性风貌，达到形神兼备的爵士鼓音乐表现效果。 三、    气氛烘托似建筑气势 气氛烘托是爵士鼓最善长的音乐表现能力之一，演奏者通过桶鼓加花为主的表现方式来制造需要的音乐气氛，桶鼓在爵士鼓中可根据不同音乐风格的需要选择配置成一个、两个、三个、四个或更多的鼓组形式，它的音响色彩鲜明、通透，具有欢快、弹性、跳跃等特征。演奏时再配以丰富多彩的军鼓、吊镲、大鼓等配搭方式与组合节奏，能体现出华彩靓丽的音乐表现效果。能从听觉与视觉上制造强烈的音响色彩与音乐氛围。再伴随着其它乐器（或声部）的演奏铺垫，能放能收、可静可动、可强可弱，既能奏出气势磅礴的华彩乐章，又能奏出平静如叙述般的音乐意境；既能起到乐句分句的提示、声部进入的暗示、乐段的分段、高潮的衔接等音乐曲式结构的明确划分界定作用，又能起到把握气氛、点缀色彩、制造意境、增强氛围等作用。尤其是现代摇滚音乐中的爵士鼓演奏，气氛的烘托与宣泄有时已超过音乐本身所表达的思想内涵的重要性了。通过鼓手的华彩演奏与表演，表达出爵士鼓的时代特征与现实精神。能让观众或听众沉醉在爵士鼓以及所有乐器（声部）所制造的强烈氛围中，并随着伴奏音乐的起伏变化，层层推进表现出蔚为大观有如建筑气势的气氛烘托效果，带给人们美好的音乐想象与直观的音乐感受。 四、    律动脉搏似建筑生命 爵士鼓的律动脉搏是最强烈、最有规律、最具有生命力的，是其 他任何乐器都无法比拟的。稳定有力的爵士鼓节奏律动就像一个发动机的心脏机体，好似建筑的生命一样重要。鼓手或演奏者凭借扎实的演奏技巧、深厚的音乐修养传递出强劲有力的音乐律动脉搏，维系着音乐的均衡律动滚动，保持着音乐进行的统一协调构成了爵士鼓音乐表现的生命特征。由于爵士鼓节奏骨架的音乐律动具有稳定的循环特性，所以能在音乐中充当统领全局的指挥作用与功能。通常说乐队的指挥就是维系音乐节拍的人，所以爵士鼓以维系音乐节拍为天职当然处于指挥地位并成为音乐表现的统率。尤其在现代轻音乐、爵士乐、摇滚乐、流行乐、新世纪等音乐形式或乐队中，乐队可以没有指挥，但绝对不能没有爵士鼓，足以证明其指挥地位的不可替代作用。并依赖爵士鼓有规律的节奏骨架作支撑，稳定的统领音乐（或乐队）全局，用以鲜明的气氛烘托、陪衬，表达出音乐的各种情绪情感，从而充分展示出爵士鼓丰富的音乐表现力，发挥出这一现代打击乐器的时代风范，丰富的音乐情感，为音乐增添无穷的创造空间与美好的视听享受。      当然，爵士鼓的音乐表现力与其在音乐中的功能、作用以及充当的角色等都是一致的、相关联的、渗透的，也是爵士鼓的音乐表现根本，更是这门乐器所固有的基本特征。

                                                                                                                               本文载中国戏剧出版社出版发行张爨轠著《爵士鼓教育》一书  

                                      略谈鼓手即兴伴奏能力的培养

文/张爨轠

鼓手即兴伴奏能力的培养是爵士鼓教学中的一大重要课题。现代电声乐队、轻音乐队、爵士乐队等乐队形式都必须要求鼓手具备极强的即兴伴奏能力。而如何使学习爵士鼓的学生获得这种必须掌握的演奏技能是需要一系列科学系统的方法进行训练才能达到其要求的。 一、曲目的积累 仅仅停留在练习一些纯粹的基本功或基础内容上是远远不够的，更多的要求鼓手具备灵活的实践经验或技能。但不管鼓手的水平程度深浅如何，都应该需要加强和重视即兴伴奏训练。其中曲目的积累是最大的训练措施，通过学习积累各种不同风格的音乐作品，让学生熟悉掌握爵士鼓伴奏技巧的规律特征。当学生从几首过渡到几十首音乐作品的积累时，对音乐处理的一些基本方法是可以逐渐体会与感悟的。随着积累作品的不断深入与增多，一些从未演奏过的音乐作品学生会在很短的时间内可以完整诠释，这说明音乐处理规律的一致性、共同性特征还是容易掌握的。同时，在积累更多更深的音乐曲目过程之中，学生即兴伴奏的能力不断得到加强或提高，教师可以通过不同的伴奏处理方式引导学生运用自己的伴奏思路，尝试通过自己的理解进行音乐作品的阐释，在此过程中，教师要大胆放手让学生自由发挥，并及时指出其合理与不妥之处，分析其处理要点或提出更多的建议，逐步培养和提高学生即兴伴奏的能力，以及增强伴奏处理中的自我意识。因此，曲目的积累是培养学生即兴伴奏能力的基本措施，用这种指导思想可以让学生积累成百上千首音乐作品的演奏处理方式，并进一步从音乐的和声、曲式、调式、调性、配器等多方面加以仔细的分析研究、讲解，提高其伴奏处理的鉴赏与实际操作能力。二、即兴伴奏的长期模拟训练 模拟训练是为实践过渡所必经的过程。训练措施可以通过大量的音乐伴奏CD作品或现场乐队进行排练。一方面通过教师针对性的选择适合学生程度的音乐伴奏CD进行系统的训练与试验，一方面可以采取舞台实践演出中的曲目直接进行乐队排练训练。需要教师或乐队指挥的正确引导，并对学生的技术水平及时准确的评估，不超过学生所能承受的技术水平范围去要求其即兴伴奏的处理方式。同样得遵循循序渐进的科学训练规则，并在心理上给学生树立起足够的自信心与良好正确的健康心态。积极面对模拟训练过程中的苛刻要求或种种失误，并有足够的勇气与胆量去努力完成所面对的挑战。这个模拟训练的环节是至关重要的必经过程，是必不可少的训练措施。 三、加强鼓手综合音乐与文化修养的全面提高 一般经过常规训练的鼓手可以按照现成的乐谱进行基本演奏，达到音乐作品的基本表现要求，而对于更高的即兴伴奏能力的培养还必需加强鼓手的综合音乐及文化修养才能真正彻底提高。当鼓手具备一定的即兴伴奏能力以后，对即兴伴奏的理解实质已变成一种即兴创作的要求。即兴伴奏之所以可以达到在对音乐作品全然不熟的情况下迅速的作出伴奏处理的设计与落实，准确诠释音乐所蕴含的基本风格或特色，最主要的原因就是对音乐作品的整体把握与理解所决定的。在具备一定的爵士鼓演奏技能以后，如何配以最为贴切自然又动听的鼓声部显然取决于鼓手的长期积累，它不仅仅包括技巧性的演奏技法与对音乐各要素的理解，还包括音乐作品的内涵如历史、文化背景等多方面全方位的深入掌握。鼓手如果不具备这些基本的音乐与文化修养或底蕴是很难做到厚积薄发的。也就是说，鼓手如果可以从作曲家创作音乐作品的角度去整体诠释或把握鼓声部的演奏，确定鼓声部在音乐中所处的合理位置或安排，知道该什么时候处于陪衬、什么时候处于主角、什么情况下运用哪一种演奏技巧等音乐表现的基本手段，那么，对于即兴伴奏处理的掌握就已经达到了基本的音乐需要。因此，加强鼓手综合音乐与文化修养的提高才是真正提高其即兴伴奏能力的关键措施与途径，是提高即兴伴奏能力的根本。 鼓手即兴伴奏能力的培养并非一朝一夕的功夫所能完成，需要进行大量、长期的刻苦训练才能取得一定的成效，其背后所需的是大量音乐曲目的积累与长期的模拟训练以及实践经验和全面音乐与文化修养的提高才能有更大的进步。而对于具体的训练曲目与处理方式则是一项庞大的系统工程，甚至可以扩展成几本专门的著述来加以训练与阐释也不为过。

                                                                                                       本文载中国戏剧出版社出版发行张爨轠著《爵士鼓教育》一书

                                                                                                 浅析爵士鼓演奏中的提手动作与呼吸

文/张爨轠

提手动作与呼吸是爵士鼓演奏中极为重要的技术性训练内容，尤其是针对演奏完整的音乐作品时更具有体现鼓手表演动作层次、恰到好处的展示表演风采以及准确、大气的表达音乐情感等方面有着最为直观的作用。

一、    提手动作与呼吸的概念

手动作与呼吸往往是相铺相成的一种关系，因为呼吸的存在而产生出提手动作，因为提手动作而体现出呼吸的重要性与表现价值，也因为提手动作与呼吸的协调一致而产生出完美的音乐表演、动作层次，得到与音乐情绪相一致的动作表现。所以，提手动作与呼吸的概念其实就是爵士鼓演奏中逗、句、段、章等结构的标志性分界，更是音乐情感渲染的外在与内在的统一结合，是融为一体的自然生理与音乐心理的综合体现，是鼓手表演过程中把握音乐律动、稳定节奏节拍不可或缺的重要技术内容，是完美传递与表达演奏思想的重要体现途径。 常规情况下，呼吸的概念包括狭义与广义两种类别。狭义的呼吸当然指生理上的张驰、松紧与音乐本身的句段气口之间的统一体现，主要体现在音乐作品的每一句、每一段、每一个换气的呼吸气口上。一般情况下，演奏者只要具备一定的音乐作品分析能力就可以很好的去大致掌握。而广义的呼吸则包涵动作上的呼吸即纯粹的生理性呼吸、心理上的呼吸即感觉性呼吸以及音乐中最常见的狭义呼吸概念等多种综合性的形式，是一切音乐类别都客观存在与必不可少的组成体现，更是作曲家创作作品时分布具体结构的细化标志，也是正确理解音乐内涵的细小分支的有机组织，是起到把握音乐作品整体框架结构与分支细节的重要分析手段。而提手动作正是对应于音乐内涵自然而成的一种动作状态。所以无论是狭义或广义的呼吸都需要鼓手将提手动作依据自身对音乐作品的理解去融为一体。当然，对于鼓手而言，由于打击乐器演奏技术的特性而定，提手动作在生理性动作呼吸的控制上更有着特殊的意义，因为只有四肢的松紧张驰协调和谐，才能得到生理上的呼吸与音乐客观的结构呼吸相一致的内外统一感受。也因此，尤其要强调音乐与生理、心理的结合、融合性的广义呼吸状态，这是提手动作与呼吸概念的关键性特点。

二、    提手动作与呼吸的处理方式

具体到某一首音乐作品的实际演奏中去，提手动作与呼吸的处理方式多种多样、灵活多变。最具规律性的特点就是在音乐结构为框架的基础之上去进行详细的划分与设定。这里特别强调“设定”的一种处理方式，意即直接分析音乐作品的逗、句、段、章等基本曲式结构，分别在相应的位置上设计提手动作。一般情况下，爵士鼓往往使用重音吊镲来表达分句或段章之间的结构界定。如在每一句完成加花内容以后必定要使用重音吊镲来表现，起到像“句号”一样的重要作用，这时提手动作的要求必然要充分体现出“句号”的完整呼吸感觉，在演奏重音吊镲的一瞬间立即将手提起来（当然是由大臂带动小臂、手腕的基本演奏动作），并在不影响节奏、节拍时值的规定限制内完成提手动作与呼吸的内外统一体现，就能达到从容自如的和谐视听感受，就能充分传递出提手动作与呼吸应用对于表现音乐作品内涵的直接意义。而对于音乐作品的结构分析当然就是最为重要的处理基本依据，鼓手要善于分析不同层次的音乐结构与提手动作幅度之间的正比关系。显然，大的句段、章节与高潮段中高潮乐句、高潮小节，甚至是某个高潮小节中的某个加花节奏音型等都需要提手动作的协调配合，要与音乐结构的层次相应的去设定安排提手动作的幅度大小，这也是最简单可行的处理方式。当然，除音乐结构为主要框架的提手动作处理方式以外，还可以根据生理性的动作呼吸的直接感觉去设计提手动作的划分与具体安排，从而更加详尽的体现出呼吸的广义概念，灵活的进行提手动作与呼吸的多种处理方式。同时，由于音乐作品在速度、力度、风格等方面的差异，在设定提手动作的幅度时要注意协调一致。越快的速度其提手动作的幅度相应越小，越慢的速度其提手动作的幅度则越大；力度越强的作品其提手动作幅度越大，力度越弱的作品其提手动作的幅度越小；激情奔动的音乐作品其提手动作幅度相对较大，柔和安静的音乐作品其提手的动作不宜过大等等……但切忌为了提手动作而影响到节奏、节拍时值的准确性，避免出现拖拍的现象以及故作大气动作而产生过大噪音的问题。原则上都是以自然的音乐结构呼吸配以自然的提手动作为标准，才能感受或传递出提手动作与呼吸恰到好处的处理效果。

三、提手动作与呼吸的长期训练价值

在爵士鼓演奏或训练过程中，提手动作与呼吸如果能够彻底引起鼓手的重视并加强训练是非常重要的。鼓手一旦掌握并意识到其重要性，对于进一步深入认识爵士鼓这门乐器的演奏特性具有极高的价值。鼓手在演奏或训练中，应该把更多的时间与精力分配在分析音乐作品曲式结构、和声等方面，在理解音乐作品的实质上下功夫，而不应该单纯的去针对鼓声部技术死抠。在音乐表现中最重要的问题还是在于鼓手对音乐的整体把握能力，而这一切都主要依赖于对音乐的实质性理解。鼓声部只是音乐作品中一个伴奏部分而已。因此，有必要甚至是必须提出提手动作与呼吸的长期训练其实就是建立在音乐整体的视觉训练上的。这样才能真正帮助鼓手意识到表演动作其实是内在与外在的统一体现，取决于鼓手全面的音乐认知与具体的实际设定分析能力。实践证明，经过长期的提手动作与呼吸训练的鼓手能够具备即兴动作表现的驾驭能力，能够在理解音乐作品时迅速的从曲式结构入手，而不仅仅着眼于单一的鼓声部演奏，这就好比作曲家的创作视角与演奏家的演奏视角，其高度与广度显然是不一样的。也因此只要善于养成从音乐全局分析出发，把握好音乐作品结构框架，对于完整的表现一首音乐作品就应该是比较容易训练的。而对于某些鼓声部的复杂片断只要有针对性的化时间进行练习就可以解决的。

四、提手动作与呼吸的完美结合可以达到演奏表演的最高境界

其实对于提手动作与呼吸这个课题进行深入讨论，就会发现这个课题实际就是针对鼓手训练的综合性技能，一切纯粹的鼓声部技术训练目的也是为了音乐作品的应用，而恰好通过提手动作与呼吸的详细设定就能全面的反应出鼓手对于音乐作品的基本演奏思想与音乐表演的整体水平，也就可以使鼓手达到演奏表演的最高境界，客观的反映出鼓手对于音乐作品的具体理解，也是作为鼓手是否能成功演奏某首音乐作品最主要的标志性界定。同时，鼓手依据对音乐作品的全局分析，详尽的去设定提手动作与呼吸的每一个细节，就可以更为精准的体现出演奏者的音乐内涵，并通过内在与外在的统一结合传递出强有力的音乐感染力，达到为音乐表演服务的最终目的。

                                                          本文原载《乐器》2010年第2期以及中国戏剧出版社出版发行张爨轠著《爵士鼓教育》一书

鼓手打动观众的黄金准则

文/张爨轠

根据音乐舞台表演艺术的一些共性规律以及对爵士鼓专业特性的分析研究，可以总结出爵士鼓演奏艺术的三大要素即：听觉要素、视觉要素、气场掌控要素。这三大要素是检验或检测鼓手在舞台演奏、参赛等一切实践活动中体现其水平实力高低与是否打动观众的黄金准则。善于运用这三大要素加强对鼓手的训练与引导更是一条培养出优秀鼓手的成功法则。抓住这三大要素将有助于深入认识爵士鼓演奏艺术的规律性特点。

 

一、听觉要素 听觉要素是爵士鼓演奏艺术的核心，涵盖技术技巧的掌握、作品难易程度的选择以及对作品结构的分析处理、二度演奏创作等基本主体内容。训练的要点要侧重于对音乐作品的整体把握上，要对音乐作品的实质性内容即旋律、和声、曲式等基本主体进行详细的研究，才能在音乐处理与二度创作上有所突破。解决鼓声部的单纯性技术技巧只是一个很初级的演奏层面，如果仅仅局限于这个层面就根本达不到对音乐作品全面与精准的诠释。因此，听觉要素从根本上要求鼓手具有敏锐的耳音条件与实际辨别能力，对音乐实质性的主体内容要具备相应的掌握能力。通常情况下，教师在训练学生时要加强结合音乐相关理论分析的实际应用与落实才能够达到正确引导学生解决听觉要素的核心要求。也就是说，当一位鼓手在舞台上演奏时，通过其展示让观众看到其技术技巧的背后应该有着更为重要的音乐理论基础与修养作支撑。也只有当鼓手完全明了音乐作品的实质、内涵、文化背景等主要内容时，才有可能按照音乐创作者、配器者的思想去进一步理解与发挥，从而进行二度创作演奏的。这也是听觉要素的主要训练方向。当然，对爵士鼓演奏技术技巧本身的训练也是极其重要的。不过，一般情况下，把大量的时间化在对整个音乐作品的分析处理上要有效得多，这是一个从音乐整体把握的高度来训练鼓手的方式，也必然是最为科学的训练方式。而对于一位除了能够基本掌握鼓声部技术技巧但却对于其它相关音乐技能、理论一窍不通的鼓手来讲，要让其达到一个相当的演奏水平高度是没有任何可能性的。因此，听觉要素实际上是检验一位鼓手综合音乐素养的基本方式，需要在训练鼓手的过程中同时跟进与加强相关音乐理论课程的学习，并从实践运用的角度有效的进行结合，才能保障与体现出听觉要素作为爵士鼓演奏艺术最为重要的首要环节。

二、视觉要素 舞台演奏艺术也是视觉的艺术，从现代音乐审美的角度看，对鼓手演奏的审美要求可以通俗的归纳总结为：好听、好看、传神。单纯从视觉角度来看，鼓手在舞台上演奏时四肢的肢体动作、表情以及整个身体的运动、动态等外在视觉表现构成了视觉要素的核心内容。通过分析与研究得出，只有当鼓手演奏时充分利用手臂（大臂、小臂）、手腕、手指头、表情、大腿、小腿、脚踝、脚掌、脚尖甚至整个身体等部位的合理控制才能达到视觉观感的审美要求。一般情况下，只有鼓手的双臂（大臂、小臂）抬起来以后并使鼓槌演奏的上下运动幅度超过桶鼓的高度才能看到（或获得）双手动作表现的画面感。凡是那些基本功欠缺，手臂僵硬，手腕、手脂头也没有放松的鼓手都没有达到演奏视觉上的画面美感要求。也只有当双手通过放松的状态下按照音乐作品的呼吸、句段气口并恰到好处的安排设计出提手动作时，才会形成一种最为自然的演奏视觉美。这种提手动作是可以根据对音乐作品的结构、情绪等理解去逐一设计安排的。并要善于根据音乐作品的整体把握去做出相应的提手动作层次处理，才能获得与音乐表现相协调的视觉画面美感。如一些鼓手在表演过程中一味的做出一些夸张的、与音乐无关的动作表现出来，不但有损音乐表演视觉审美的基本自然原则，反而打破了音乐作品视听结合的统一协调体现，造成弄巧成拙的结果。需要强调的是，鼓手的动作表演视觉是需要进行科学的系统训练的，其原则就是通过与听觉要素的训练相结合，根据音乐作品的实质性要求去配合设计的。双脚也是一样的训练方式，注意其动作设计也要完美的体现出音乐句段、气口、呼吸等细微差别，才能达到动作视觉的审美要求。当然，鼓手在舞台上的一切表演性动作都必须遵循音乐风格、作品内涵等基本要求去进行设计安排，而不能盲目的或随意的添加一些不必要的动作表现。至于表情在舞台演奏时的要求也应该因人而异，不过，从演奏者传递出来的细微面部神态完全可以感受到演奏者的投入状态、内心体会等基本感受，这也是相当重要的视觉训练内容之一。综合从爵士鼓这门乐器的特性分析来看，由于其造型优美、大气时尚的显著特征再加上最善于表现激情、震撼的音乐声效，所以鼓手表演的视觉审美标准就是以大气的提手动作为核心来展示与之相协调的视觉表现的，这也是爵士鼓演奏艺术视觉要素的基本表现形式。

三、气场掌控要素 气场掌控要素应该是爵士鼓演奏艺术三大要素中最具有深度的环节。气场掌控不仅仅包括了听觉要素与视觉要素的主体内容，更是超越了演奏视听的一种高层次境界的具体体现。也就是说，气场掌控已经不仅仅是停留在解决演奏音乐作品基本的视听要求了，它还需要演奏者对整个演奏现场的一种驾驭掌控能力，能够通过这种能力表现出演奏者的个性特色、风格特征以及能够通过这种全身心的气息贯通抓住观众的视听神精与审美期待，也就是需要具有征服观众（听众）的能力。那么演奏者是如何获得这种超凡的气场掌控能力的呢？首先需要演奏者具有极强的自信心，并要使演奏者建立一种有效的自信状态，这种自信状态也必须是建立在能够完整流畅的表达音乐作品技术技巧时才能够获得，对那些处于还没有彻底解决前面两个视听环节的演奏者来讲，是很难让其完全的表现出自信的演奏状态来的。所以对音乐作品流畅与熟练的把握是获得演奏自信心的基本保障。其次是演奏者一定要跳出音乐表演时技术技巧展示的禁锢与束缚，要善于运用音乐情感的表达方式去获得气场掌控的具体体现。也就是说鼓手要通过发掘音乐作品内涵，把作品所表现的真实情感传递出来。如经常会发现一些鼓手在演奏过程中基本能够达到表演视听的审美要求，但特别明显的缺少了一些情感内涵的东西，达不到气场掌控的驾驭要求。所以要传递出音乐作品的感染力比起单纯性的展示技术技巧要复杂得多。因此，如何传递与表达音乐作品内涵、情感是气场掌控的关键。当然更需要鼓手除对音乐作品整体把握与驾驭能力以外，还需要自己的人生阅历、艺术气质、人格魅力以及与观众的互动沟通技巧等综合素质与能力才能完美展现。所以很多音乐作品并不是靠单纯的技术技巧的表现才能成为经典之作，而是其人文文化内涵的高度表现特征与演奏者的完美展现与塑造加工才能成为经典之作的。也因此可以这样讲，气场掌控的实质就是音乐情感表达的高层次体现，是建立在视听要素上从而升华到情感（即传神）的一种综合性驾驭能力。 结语 善于从以上三大要素中去体会并深入分析研究对于认识爵士鼓演奏艺术的规律性特点有着极其重要的作用。而从这三大要素去评判或检验鼓手演奏水平层次也就有了正确的标准可遁。运用这三大要素统一结合的演奏思想去学习与提高也是掌握爵士鼓演奏艺术的捷径之道。

                                                                     本文原载《乐器》2010年第9期以及中国戏剧出版社出版发行张爨轠著《爵士鼓教育》一书

                                       如何训练鼓手节奏的稳定性？

                                               文/张爨轠

        训练鼓手节奏的稳定性是有非常有效的具体措施的，首先要明白节奏的稳定性是源于内心对音乐结构的整体把握与掌控。因此最根本性的训练措施是要培养鼓手具有敏锐的音乐耳朵，要能够准确听辨出音乐每个声部层次之间横向与纵向之间的关联性。 音乐的结构像语言文字一样，每个字、词语、成语、单句都是组成表达思想情感的大小细胞。好比要听懂一句话、一段文字、一篇文章所要表达的意思一样，音乐的语句就是传递作曲家、演奏家内心的所思所想而已。只不过音乐语言不像文字表达那样直截了当，相比更加抽象、意会，大多是粗线条的情感表达手段。但是却有着文字表达所不能企及的更加丰富的意蕴、内涵和想象空间。 从这个角度去理解、诠释音乐的整体与部分，就能够迅速抓住节奏的稳定性，等于是用肢解音乐整体的方式剥离出节奏的骨架支撑，将音乐立体化、纵向化的去笼统看待，就特别容易获得高效率的训练结果。 这个极其有效的训练措施不是单独建立在节奏基础之上的，而是建立在从音乐全局与局部的剖析上获得的。 音乐中每一句的线条感就像说每句话一样具有内外的逻辑关联，与前后乐句之间有着承前启后的相互作用，通过作曲家或者演奏家用声音的形式一句一句的逐渐展开、发展、演变并形成完整的音乐作品结构，体现出规律性的曲式体裁。充分明白了音乐作品这一重要的规律性特征，就容易使鼓手在训练过程中跳出节奏本身的狭隘思维，从而通过大量的音乐作品分析，训练出对节奏稳定性的宏观把握与掌控能力。 而单纯从纯粹的节奏声部训练入手的话，只能让鼓手局限在初级、狭隘的思维模式中。因为单就节奏本身而言，凡是偶数均分的节奏形态诸如八分、十六分、三十二分、前八分后十六、前十六后八分、附点、切分、六连音、八连音以及其派生节奏等等都可以用非常简单的数学方法去分解、划拍，音乐感觉哪怕非常一般的学生也是可以通过这样的机械方法去掌握的。 像三连音、五连音、七连音、九连音等奇数形态的节奏特征也是非常容易掌握准确的，不存在太多的训练方法上的难度系数，借助节拍器或者与伴奏音乐作品相结合的训练方式往往都比较容易掌握好。 但是单纯训练准确各种各样的节奏形态并不意味着就能够在音乐作品演奏过程中保持住节奏的稳定性，其根本性的原因就是出在对音乐整体句段结构规律性的认知与把握上出了问题。所以，训练鼓手对节奏稳定性的具体措施最管用的是跳出节奏本身的狭隘思维，这才是找到了关键所在。 也因此，训练鼓手对于如何去听辨音乐作品中涉及到诸如旋律、调性、和声、曲式、音准、配器等等方面的主体内容才是解决鼓手节奏稳定性的关键。试想一下，如果除了单纯的节奏以外，其他的音乐主体内容都无法听懂，那么对于通过节奏来配合音乐其他声部的爵士鼓角色来讲，怎么会获得鼓声部在音乐中立体稳定的节奏骨架支撑呢？ 这个问题就像看中国的三水画艺术在整体构图、线条与局部细节润色之间的关系一样，不能本末倒置、避重就轻，要从整体的视角上去追求和谐统一的画面。

  本文载中国戏剧出版社出版发行张爨轠著《爵士鼓教育》一书  

                                                                                                      鼓手的表演与训练

文/张爨轠

在现代流行音乐、通俗音乐发展迅速的今天，爵士鼓作为其核心乐器之一已经起到了巨大的推动作用。如果没有它充满激情的节奏骨架作支撑，没有它绚丽灿烂的舞台视觉，是很难达到现代人们的审美需求的。之所以现代流行音乐、通俗音乐成为全世界的主流音乐、大众音乐，它不仅仅是因为其通俗易懂的音乐语言、充满现代时尚气息的时代背景，更重要的是其舞台表演的多样性、开放性吸引了人们的视觉与听觉，从而推动了现代音乐的空前发展。传统古典音乐或严肃音乐的演奏家们也会受到不可抗拒的冲击，在演奏表演上更注重与观众的沟通，更注重舞台表演的视听结合效果。时下流行的各种音乐选秀活动选拔音乐人才的标准也充分证明了这是现代人审美的必然趋势。机械刻板的传统音乐表演方式显然已经跟不上时代的步伐。而作为一位鼓手来讲，其舞台表演涉及到多方面的因素与表演技能，并依据鼓手的技术水平状况、个人理解程度等有所不同。下面就鼓手的表演与训练共性作一些探讨。

一、表演动作要规范、准确、大气

无论什么水平程度的鼓手，首先必须达到基本的演奏要求。由于爵士鼓这门乐器演奏必须用四肢协调来完成，其动作表演相对任何乐器都要丰富得多，因此给鼓手提供了更大的表演空间。也因此是否能够准确的把握表演动作的尺度就有了一些难度。首先谈谈表演动作的规范与准确问题。这是一个大家不太注意深究的问题，因为爵士鼓的演奏动作要领很简单：通过大臂带动小臂，充分利用手腕的运动施力完成每一次击打；用大拇指、食指、中指这三个指头充当三个固定的支点握槌，依靠无名指、小指的伸缩控制调节并补充鼓槌的运动控制；利用鼓槌的传递将打击的力度与鼓点节奏通过槌头来完成我们要表达的节奏语言，从而完成这一基本的动作。从理论上讲，就已经把爵士鼓演奏的动作要领、演奏规律阐述清楚了，这就是规范、准确的基本含义。但在实际演奏中，会听到一些鼓手为此产生的困惑与不解，也可能是因为肌肉控制的感觉每人不尽相同，也可能是理解上的偏差，也可能是演奏状态的不稳定等原因使得他们没有达到这一最基本的演奏要求，从而制约、影响了音乐的表达，更谈不上表演动作的视觉美了。而表演动作的大气必须建立在规范、准确的前提下才能更好的体现出来。这个问题涉及鼓手本身对音乐的理解，以及自身的性格等因素。我们通过学习、观看、研究世界上著名爵士鼓演奏大师的表演，就会发现大气的动作表演是多么的重要，如此而来的表演，视觉是多么的吸引观众。有很多人喜欢爵士鼓这门乐器就是从感受到鼓手大气的动作表演开始的，从而引起他们注意的。那么，如何才能做到大气的动作表演呢？这里给大家介绍一下“手臂跳跃”的概念。即通过演奏时手臂的“弹跳”、“甩动”来完成。初学鼓的时候，老师一般都会告诉学习者演奏时手臂尽量不要动，要让手腕尽量动起来。其原因就是要活动并打开手腕的控制，因为初学者手臂的控制能力还不是很强，必须学会先用手腕运动施力演奏击打的要领，才能避免手臂因过渡施力造成肌肉紧张而影响到放松的状态。但当学习者具备或达到手臂放松的状态以后，就需要充分利用手臂的大幅度运动动作，夸张的表现爵士鼓的节奏语言。运用手臂的运动当然要比手腕运动幅度大很多，注意要充分理解每一次手臂在演奏中起到的“弹跳”、“甩动”作用。试想一下，如果手臂在没有放松的情况下施力击打鼓面肯定会出现刺耳的噪音，因此必须通过放松的“弹起来”、“跳起来”、“甩起来”的感觉去控制手臂的运动与施力感受。通过“手臂跳跃”、“手腕施力”、“槌头传递”最终完成每次击打，从视觉上会感觉到动作表演的夸张与动感，从听觉上会感觉到放松有力的节奏点。再加上音乐的烘托、陪衬，使鼓手的情感表达能够淋漓尽致的通过四肢传递出来。因此，鼓手表演动作的规范、准确、大气是吸引观众的重要因素之一，也是鼓手表演最重要的基本技能。

二、表情要自然、自信、投入

训练表情的方法很简单，鼓手可以在练习或演奏时用一面镜子观察自己的表情，或用DV录下来反复观看，直至找出问题为止。也可以让身边的朋友或同事提出他们的看法以及时修正。当然，每个人的个性都不一样，不可能要求模仿或专门学习某人的演奏表情，每个人的演奏表情都应该是独一无二的。自然指的是掌握好表情的分寸，不做作。自信是非常重要的，没有自信的表情是不可能打动并感染观众的。投入是一种身心状态，也是作为任何一位演奏家必须具备的职业素质。要做到演奏表演时表情的自然、自信、投入从更深层面去挖掘的话，就是要给自己必须的心理暗示。心理暗示就是要反复告诫自己不要紧张，要尽量消除紧张心理。要对自己平时的练习准备有信心，要相信自己的演奏能力，相信自己临场发挥的掌控能力。要知道平时训练到什么状态，演出时一般就会是什么样的状态。切莫过高估计自己演出的发挥。但是，很多鼓手往往都有这样的经历，当面对舞台上闪烁的灯光、华丽的舞台布景，心情一下就激动起来了，不但不会感到紧张，更增添了自己的表演欲望，自己一旦投入忘我演奏表现音乐的时候，紧张心理也就在不知不觉中忘掉了。当然也有一些舞台经验不够丰富的鼓手很难在短时间内找到表演的最佳状态，显得十分拘谨、不自然、不自信，甚至害怕、胆小，把原本准备得很好的演奏忘得一干二净，在舞台上不知所措。遇到这种情况一方面可以把要表演的演奏作品进行反复的模拟现场训练，直到达到娴熟的手脚本能反应程度，就可以减少出现失误。另一方面演奏者要有健康正常的表演心理，要明白因为心理因素造成表演的紧张是很正常的，没有什么大不了的。无论多么专业、多么经验丰富的演奏家都避免不了演奏中的失误，这本身就是很正常的事情。有些鼓手会因演出之前对自己的表现寄予过高的期望，但往往会在实际演出中害怕达不到即定的目标，因而造成表演心理的失衡，从而影响到表演效果。当然，涉及影响鼓手表演心理的因素很多，有技术性的，也有舞台场地环境的不适应引起的，也有身体不适等原因造成的。因此要善于分析、总结，并努力克服影响表演效果的一切原因。只有使自己调整好心态，用自然、自信、投入的表情展现自己的表演才能获得观众的认可与喜爱。

三、演奏作品要完整、流畅、具有感染力

也许很多鼓手平时在练习过程中没有太多的注重作品的完整性，往往是把自己认为需要加强训练的细节地方找出来，觉得可以大致完整的演奏就没有兴趣与必要再深入的练习下去了，这也是很多学习乐器演奏专业学生的一大通病；他们往往也积累过不少作品，但很难达到表演的水准与要求；也有一些演奏者追求的是作品技巧的高难程度，想展示自己扎实的基本功底，但却在作品的完整、流畅方面出现了致命的问题。音乐作品的表现一旦缺乏完整性，造成演奏过程断断续续、结结巴巴，就根本谈不上音乐的感染力。很多时候我们会欣赏到一些经典的音乐作品，其纯粹的演奏技巧难度并不高，但却能明显的感受到演奏者从头到尾轻松流畅的驾驭能力、游刃有余的表演空间，无论从听觉或视觉上都会带给我们强大的感染力。就像现今流行的很多音乐作品，其听众很广泛，传播速度也很快，也很容易被大多数人所接受。但究其技巧而言，并不一定有多么的复杂与出彩。毕竟演奏技巧本身就是为音乐的情感表达服务的。只有两者互相依托、陪衬才能完美的传递音乐作品的感染力。当然，音乐作品的感染力不仅仅是指音乐所表达的情绪是悲或是喜、速度是慢或是快、表现方式是铿锵有力或是娓娓到来等等，它还包括表演者与之相配合的眼神、表情、动作、神态的一致才能更好的体现出来。试想，如果演奏者从头到尾用一种表情与神态去演奏各种不同风格、不同情绪的音乐作品将会是什么样子的呢！所以，演奏作品的完整、流畅，以及传递给观众的音乐感染力就是表演的核心内容。

四、加强鼓手对不同舞台场地的适应能力

由于爵士鼓这门乐器本身的性能特点所决定，其音量很大、噪音性强，在某些不太适合的舞台上演出制约了演奏者的发挥。鼓手可以通过自身的舞台经验判断并进行调整爵士鼓的声音问题。尤其是在很狭小的舞台上演奏，声音的反射距离近，音量疏散不出去，会觉得难以承受过大的噪音。这种情况下如果要很尽兴的表演的确不太容易，尤其是手脚力度控制能力不是很强的鼓手最怕遇到这样的情况，如果条件允许的话可以立即采取爵士鼓的调音、制音措施，以达到减小音量的目的。或选用可调音量适合任何舞台环境的电子鼓来演奏。以及通过调音师寻求最佳的解决办法，达到相对最好的音响效果。当然，舞台上的实际演奏会有很多有待于鼓手去琢磨的问题，如舞台上声音的传播与反馈；灯光、舞美对鼓手的影响；舞台与观众之间的距离关系；如何用眼神与观众进行交流与沟通；演奏时根据不同的场合如何着装；舞台表演中出现的意外失误应如何应对等等很多问题都要加以考虑，才能充分保证演奏达到最佳的效果。但是，也有很多情况是鼓手无法解决的，比如露天舞台或嘈杂环境的演出等，外界的干扰就会影响到演奏者的舞台效果。鼓手要加强并适应各种不同舞台场地的能力，调整最佳的演奏状态，有针对性的灵活制定相应的演奏方案，以保证达到相对最佳的演出效果。并通过长期的舞台模拟表演、训练来提高、巩固自己的实践经验，做到各种舞台上表演都要从容自如、有条不紊。

另外，音乐本身就属于个性化很强的艺术门类，因人理解不同而各有其感受，没有统一绝对的表演标准，只有相对的共性规律可循。任何鼓手都没有必要完全模仿或局限于某位大师的表演风格。能够创造出适合自己个性并经得起长期舞台检验的表演就是成功的表演，并在不断的实践积累中进一步完善、提高自己的舞台经验，形成属于自己独特的表演风格。

 本文载《乐器》杂志2008年第2期以及湖南文艺出版社张爨轠编著《爵士鼓演奏高级教程》以及中国戏剧出版社张爨轠著《爵士鼓教育》一书